MILENARIO KATHAK.  Los kathakas, comunidad de narradores del norte de la antigua India, empleaban con singularidad la mímica para enfatizar sus historias. Cultivaban  el Kathak, forma de arte que fusionaba danza, música y gesto, plena de espiritualidad y sentido de identidad. De los templos, el kathak se desplazó gradualmente hacia las cortes donde logró su sistematización como estilo y como escuela. Representó el entrenamiento más apreciado por la realeza y la nobleza y fue ampliamente promocionado como gran valor del hinduismo durante el imperio Mogol. En su evolución, el sentimiento místico originario del kathak se interesó por el tema amoroso y por el virtuosismo técnico. El cuerpo erguido, los pies paralelos hacia delante, las piernas derechas y sin flexión, giros de gran velocidad, junto a una armonía de brazos y una enfática expresión facial, resumen las características técnicas de esta escuela. El kathak o arte de contar historias, despierta en la actualidad creciente interés dentro de la danza escénica occidental, incluso por parte de los cultores de sus tendencias más renovadoras. Búsqueda del impulso vital del movimiento y de la naturalidad en el gesto expresivo, son necesidades compartidas por la danza en ambos extremos culturales. CARLOS PAOLILLO

Sidi Larbi Cherkaoui

El tipo del arquetipo

Texto: Omar Khan / Fotos: Karl Lagerfeld (cortesía de Les Ballets de Montecarlo)

Es el fenómeno de la danza novísima. La más actual, la más vanguardista y la más arriesgada. Con una corta pero meteórica carrera, el jovencísismo creador belga-marroquí Sidi Larbi Cherkaoui será estrella en el Festival de Otoño, de Madrid donde, aparte del dueto Zero Degrees, con Akram Khan, trae Myth, reciente superproducción que gira alrededor de los mitos, los tipos, los arquetipos, la tradición oral, los comics, Harry Potter y muchas cosas más

Como el heraldo de la nueva danza que demanda un nuevo siglo, el coreógrafo y bailarín belga-marroquí Sidi Larbi Cherkaoui comenzó esta centuria en el mismísimo 2000 sacudiendo en sus butacas a los aletargados espectadores de danza del mundo con Rien de Rien, su primera obra montada con el apoyo de Alain Platel desde Les Ballets C de la B, de Bélgica. Era ciertamente una pieza insólita. No se parecía a nada de lo visto durante el siglo XX. Rompía con convencionalismos, fusionaba, mezclaba, provocaba y revolvía lo inimaginable en un caótico discurso político, social, global y artístico perfectamente articulado y estéticamente impecable, en el que participaban seis intérpretes entre los 16 y los 60 años, con formaciones tan diferentes como el contemporáneo, el ballet clásico, el baile de salón o el hip hop. Hijo de padre marroquí y madre belga, se podría aventurar que su mezcla sanguínea es la que parece empujarle a no hacer distinciones, apegarse a tradiciones ni acomodarse en casillas. Con toda normalidad pone a un cultor del hip hop en dueto con una bailarina de ballet clásico danzando al ritmo de una melodía árabe de hace seis siglos.

Su segundo espectáculo fue asentamiento de ideas y confirmación de genio. Foi (2003) es, al unísono, bella y terrible. Sus referencias van desde la belleza de la danza oriental, la situación de la mujer en el mundo árabe hasta Bush y el terrorismo, pasando por el uso de la religión como arma política, sin desdeñar esos principios religiosos universales del bien y el mal, el cielo y el infierno, que terminarán siendo constantes en sus piezas. Porque a todos estos temas también aludía su tercera y no menos exitosa producción Tempus Fugit, un encargo del prestigioso Festival de Avignon, en 2004, en el que el joven flamenco de apenas 30 años hace toda una disertación acerca del valor del tiempo y la pluralidad cultural. Su capacidad para conectar fácilmente con públicos amplios que reconocen los referentes y se reconocen en sus propuestas llenas de contradicciones absurdas y al mismo tiempo lógicas, lo convirtieron en codiciado coreógrafo. Y él, aventurero y abierto, se dejó llevar atendiendo solícito al reclamo de compañías internacionales de lo más diversas e incluso aparentemente ajenas a su lenguaje. Para Les Ballets de Montecarlo ha creado dos trabajos (In Memorian, 2004, y Mea Culpa, 2006), para el Ballet del Gran Teatro de Ginebra hizo Loin, en 2005 y más recientemente ideó L’Homme de Bois para 18 bailarines del Royal Danish Ballet, una formación tradicionalmente clásica. Con el Cullberg Ballet, de Suecia, hizo End (2006), que parecía ser una respuesta inmediata a las batallas entre Israel y Hezbolá en Líbano. Junto a Akram Khan montó y bailó el dueto Zero Degrees, con el que vendrá al Festival de Otoño de Madrid, después de su paso por el Mercat de les Flors, de Barcelona.

Justo ahora, Larbi parece comenzar una nueva etapa. Ha abandonado Bruselas y Les Ballets C de la B para instalarse en Amberes, su ciudad natal, como buscando los orígenes, una idea que parece obsesionarle no solamente en la escena. Aliado con la prestigiosa casa Toneelhuis de la ciudad belga, acaba de estrenar Myth, una nueva y aún más ambiciosa producción que comienza su periplo internacional como una de las grandes atracciones del Festival de Otoño, de Madrid, este octubre. Dispuesta a la manera de un cuadro de Bosch o Brughel, Myth es una amalgama de referencias a los mitos occidentales, que se desarrolla en una especie de sala de espera flanqueada por una enorme biblioteca que parece representar el saber humano, donde 23 personajes en el limbo (bailarines, actores, contorsionistas, acróbatas, una actriz con síndrome de Down y el ensamble musical Micrologus, interpretando en directo música italiana del siglo XIV) esperan no se sabe bien qué. Los arquetipos de Jung (Cristo crucificado incluido), el marqués de Sade, Shiva, las figuras del Tarot, numerosa simbología e iconografía religiosa, los manga japoneses, los cómic, Matrix, Harry Potter, el cine de terror antiguo y también el nuevo… todo está mezclado y ensamblado en una superproducción que es un bombardeo de imágenes difíciles de describir.

¿Cuál ha sido la inspiración para Myth?

Al principio tenía la idea de montar un espectáculo alrededor de esas cosas que te ocurren en la vida con las que no puedes lidiar, cosas como los traumas, que están siempre contigo pero no puedes resolver. Pero luego me pareció demasiado fuerte, especialmente porque yo mismo he estado siempre buscando respuestas y tratando de hacer cosas que curen los traumas de mi vida, así que todo devino hacia el tema de los mitos porque sus historias son las que te hacen sentir que no eres el único al que le pasan ciertas cosas. En la mitología siempre hay un personaje que ha vivido algo similar a lo que te puede ocurrir a ti, hay siempre un mito que te dice que sea lo que sea lo que te pase no es la primera vez que ocurre en el mundo. Para mí los mitos son muy positivos porque son anécdotas que sirven para mostrarte que puedes confiar en el pasado para solucionar tus problemas de hoy.

Pero también asegura que el Tarot ha sido otra fuente de inspiración para la propuesta…

Lo que me gusta del Tarot es que las cartas son símbolos. Siempre encontrarás una referencia a cualquier persona o suceso de tu vida, y eso te sirve para darle sentido a las confusiones de tu propia mente, para tener mayor claridad. No es que las cartas te cuenten el futuro, se trata más de la manera en que tú sitúas las cosas ahora, en el presente… hay un montón de cartas que significan mucho para mí. El ahorcado, por ejemplo, está colgado cabeza abajo, ve el mundo al revés y yo mismo con frecuencia veo el mundo como él. Puedes hacer cruces infinitos entre las cartas del Tarot para buscar respuestas.

¿Es aficionado a lo esotérico?

No, no. Todo esto lo estudié por Internet, con un par de libros y conversaciones con amigos. Soy autodidacta a mi manera y creo que tienes millones de profesores a tu alrededor todos los días, gente de la que puedes aprender muchas cosas. Estamos viviendo un siglo en el que nos sentimos menos comprometidos con los profesores y viceversa. Si encontrara el profesor adecuado no me importaría ser un estudiante aplicado pero ahora mismo uso Internet, a los amigos y me aprovecho de todo lo que pueda enseñarme algo para intentar crear una lógica que me funcione.

Myth en particular y su obra en general, están llenas de contradicciones y contrastes: música antigua con danza moderna, referencias del pasado en contextos actuales, bailarines, músicos y contorsionistas juntos en escena…

Lo que quiero enseñar es que todo es igual. La realidad es que todo tiene el mismo valor, todas las cosas se reflejan las unas a las otras. No veo diferencia al mezclar música antigua con baile moderno. Cuando veo que los bailarines se mueven me gusta creer que ese movimiento viene desde un lugar muy antiguo y cuando veo a los músicos tocar melodías remotas en directo, los veo desde un momento muy actual.

Sus piezas están llenas de referencias a la cultura pop como el nuevo cine de terror japonés, Harry Potter, las artes marciales, Matrix o los mangas…

Para mi esas formas de arte son los vehículos de la mitología, equivalen a lo que tu abuela te contaba pero ahora llegan por la televisión o el cine. Los mangas son totalmente mitológicos. Hay en ellos cosas que no son buenas pero otras que son increíblemente profundas, muy bien pensadas. Creo que esas referencias al ahora en mis piezas son también referencias al pasado porque insisto en que para mi siguen siendo la misma cosa, no puedo diferenciarlas. El público lo vincula a los manga o a la última película pero en el fondo siempre se trata de una historia muy muy antigua presentada en una forma muy muy nueva. Shrek me encanta en este sentido. Te ríes muchísimo porque reconoces las referencias pero te las presentan de una manera que conecta con la estética de hoy.

Le gusta trabajar con gente que viene de disciplinas muy distintas: de la danza, del hip hop, de la música, del circo ¿Qué importancia le da a la técnica?

Para mi la técnica no importa. Importa la disciplina y eso es algo increíble porque la disciplina supone dominar tu propio vocabulario, comunicarte con él. La mayor parte del tiempo mi lenguaje evoluciona con la gente con la que trabajo y dependiendo de cómo interactúen con mi lenguaje, ellos también lo transforman, me cambian a mi, así que no estoy solo en esto.

Pero eso es más difícil de lograr cuando acepta trabajar con compañías estables de ballet…

El trayecto es el mismo pero siento que no siempre llego al mismo lugar. Me encanta tener tiempo para trabajar y las compañías de ballet no disponen de tiempo, van con programas muy cerrados y voy a ser irrespetuoso, pero son felices y se conforman muy rápidamente. Se necesita al menos un año para sentir que estás trabajando conmigo pero aquí bastan tres semanas. Para mí en ese período apenas si nos hemos conocido y hemos hecho algo juntos, pero no más. El sistema de las compañías de ballet tiene otra lógica del proceso creativo.

No baila en Myth. ¿Son diferentes sus procesos cuando es bailarín que cuando es coreógrafo?

Muy diferentes. Creo que soy mucho más simpático como coreógrafo, cuando no estoy dentro de la pieza, porque como intérprete soy mucho más difícil, más atormentado. Como creador me siento libre, mucho más sensible hacia los demás y puedo ser muy delicado con los otros pero bailando soy más sensible hacía mi, más delicado conmigo mismo.

¿Le da mucha importancia a la música?

Creo que es muy importante. Para mí tiene mucho que ver con buscar en la fuente, ir a los orígenes. Me encanta seleccionar música muy antigua, que casi se haya perdido, porque siento que no deberíamos olvidar que es parte de nuestra historia y que lo que hoy nos encanta escuchar viene de ahí. Intento seleccionar para mis piezas música que la gente no escucha lo suficiente. La música pop es muy simple, polifónicamente elemental, usualmente se basa en un dueto del tipo Simon and Granfunkel, pero a mi me gustan cosas más complejas como la música medieval, especialmente la del siglo XIV, que parece tan rudimentaria pero en realidad es muy elaborada, muy profunda.

Myth. Festival de Otoño de Madrid. Teatro Albéniz. Del 31 de octubre al 2 de noviembre.

www.madrid.org/fo2007 www.toneelhuis.be

KHAN & LARBI. La idea de hacer algo juntos venía desde los tiempos en que se conocieron hace ya siete años compartiendo experiencias en la escuela P.A.R.T.S. de Bruselas. Pero antes de que pudieran consolidar nada a ambos les llegó la fama por caminos separados y, quizá un poco huyendo de tanto ruido, volvieron a reunirse ésta vez para hacer un dueto, algo más íntimo y cercano. En un momento del proceso el belga-marroquí Sidi Larbi Cherkaoui le pidió a su compañero de aventura, el hindo-británico Akram Khan que le contara algo que no le hubiese contado a nadie y a la cabeza del compañero vino una imagen tremenda que vio en su primer viaje a La India, cuando intentaba coger un tren de Bangladesh a Calcuta: un cadáver que tenía la mitad del cuerpo dentro del tren y la otra fuera ante la indiferencia de todos en un lugar donde el pasaporte no importa, lo que importa es el dinero. “Cuando Sidi escucho mi historia”, relata Khan, “me dijo que no era mi historia, que era una historia universal porque cada ser humano cuando cruza una frontera, es fácil que se sienta humillado. Ese es el origen del dueto Zero Degrees. Se pensó como un espacio entre dos cosas, entre dos realidades, podría ser un espacio entre dos notas musicales o podría ser un espacio entre dos países, dos culturas o dos nacionalidades, que es como el espacio entre la vida y la muerte”. Con música de Nitin Sawhney en directo y acompañados por dos réplicas suyas de goma, ideadas por el escultor Anthony Gormley, los dos creadores estrenaron esta pieza sobre dualidades en 2005. Aunque venían de muy diferentes vivencias tenían en común muchas cosas. Proceden de familias musulmanas establecidas en Europa, se criaron en urbes, vivieron dos culturas al unísono: una en casa y otra en la calle, admiraron a Bruce Lee, amaron la danza y son asombrosos bailarines con gran imaginación coreográfica. También fue un aprendizaje. “En el plano artístico aprendí con él mucho sobre el ritmo, sobre como pensar el ritmo y ponerlo en escena”, asegura Sidi Larbi. “Fue también fantástico encontrar finalmente a alguien con quien compartir el lenguaje de las manos, la sensibilidad de los dedos. Es algo que me encanta hacer y no encuentro bailarines para compartirlo”.