ASÍ BAILÓ ESCENA PATRIMONIO
Nuestra revista en alianza con ‘La Noche del Patrimonio’ realizó la segunda edición del ‘Taller Escribir la Danza’. Lee las críticas realizadas por los participantes…
Textos-PARTICIPANTES DEL TALEER ‘ESCRIBIR LA DANZA’ Foto_DIEGO PÉREZ
Madrid, 23 de septiembre de 2022
El pasado sábado 17 de noviembre las quince Ciudades Patrimonio españolas se vistieron de fiesta para su día, La Noche del Patrimonio, un evento impulsado desde CIUDADES PATRIMONIO DE LA HUMANIDAD (ESPAÑA / UNESCO) que, a su vez, alberga Escena Patrimonio, un festival de danza simultáneo que esa misma noche consiguió, en su quinta edición, que espacios monumentales de cada ciudad fueran habitados por la danza de jóvenes y consagradas figuras de la danza contemporánea. Plataforma de creación para la danza en las ciudades patrimoniales del país, este evento cuenta con dirección artística de Lorenzo Pappagallo y, desde el año pasado, ha monitoreado un grupo de observadores de nivel: los participantes en el Taller Escribir la Danza, una iniciativa fomentada por la organización y nuestra revista susyQ, que aspira estimular la producción y publicación de textos sobre danza.
De esta forma, tuvimos un par de ojos (en algunas ciudades algunos más) que miraron con espíritu analítico las obras de Led Silhouette, en Santiago de Compostela; Jesús Rubio, en Ávila; Arnau Pérez, en Alcalá de Henares; Estévez & Paños, en Mérida; el italiano Alessandro Sciarroni, invitado internacional, en San Cristóbal de La Laguna y Daniel Abreu, en Salamanca.
Aquí van sus críticas…
Led Silohouette / Santiago
LA VIDA REBOBINADA
Texto_MARINA ARRANZ
¿Qué mejor sitio que una iglesia desacralizada para que la danza ocupe su lugar en la arquitectura patrimonial? En la Igrexa da Universidade nos recibe un altar barroco con una poderosa virgen ascendiendo sobre un orbe celeste, a su vez coronada por sonrosados ángeles y sobre todos ellos, una pequeña figura de un dios padre. El escenario frente a todo el conjunto es borrado con luz y humo. Un prólogo anuncia el inicio por el final. Tras un fundido a negro, toma la escena el movimiento a saltos, característico del coreógrafo Marcos Morau, con su creación Los perros, vista aquí como parte de Escena Patrimonio 2022.
La joven compañía Led Silohuette ofrece algo genuinamente propio: se consagra a la comunidad, redibujando el legado navarro. Y lo hace en gran medida gracias a una composición sonora a cargo de Juan Cristóbal Saavedra que trenza elementos tradicionales con crudos ritmos capaces de ensalzar la atmósfera para la danza. Permanecen en la memoria los recurrentes ecos de cencerros y la voz femenina que acompaña los recuerdos de infancia, rozando una transportadora pureza emocional. Es poderoso el dúo-pelea con las camisas de nardos. También el jubiloso girar del final ¾¿o es el principio?¾, con los dos bailarines, Martxel Gutiérrez y Jon López, entregados en esta historia de amor y de-crecimiento.
Los Perros quiere ser un grito generacional. Nos quiere devolver el reflejo de un mundo brutal, de ganadores y perdedores, donde sólo la música y la danza consiguen exhumar cierta belleza. Pero la magia conseguida en la versión muda de calle se diluye cuando el texto comienza a darnos demasiadas respuestas. La danza, arte previo a la palabra, resulta en cierto modo desacralizada, como lo está para nuestra suerte la iglesia donde ocurre todo. Quizá otro día encuentre el espectador un hueco donde colocar sus propios significados.
Led Silohouette / Santiago
REPRESIÓN E INSTINTO ANIMAL
Texto_DANIEL LEZSO
Una historia de amor prohibido contada desde el deseo por el amor libre. Los perros, dirigida por Marcos Morau para la compañía navarra Led Silhouette, fue representada en Santiago de Compostela dentro de la programación de la quinta edición del festival Escena Patrimonio. Los dos bailarines Martxel Gutiérrez y Jon López, no defraudaron a los espectadores regalándonos momentos de gran virtuosismo dancístico, y a veces, incluso circense. La puesta en escena lleva la marca de Morau, pues se apoya en elementos escenográficos como máscaras, marionetas y sobre todo vestuario; un recurso muy utilizado por su compañía barcelonesa La Veronal. Pero sin duda, la fisicalidad de ambos intérpretes era lo que narraba la historia de amor entre dos hombres. El título engloba la dualidad del significado que acarrea la lealtad de un perro y de cómo el ser humano, a veces, desprecia al animal por puro egoísmo; por librarse de sus responsabilidades. La transición de animal a humano que los bailarines escenifican, simboliza el instinto que todo ser viviente posee. Ambos personajes, incapaces de esconder sus sentimientos, son tratados como perros debido a la represión social. Destacaría la maestría de López en dos momentos donde se queda solo en escena y expresa la frustración del personaje, desesperado por su situación ante todo lo que conlleva ser hombre un homosexual en una sociedad machista. El ambiente sonoro acompañado de la iluminación, marca las escenas guiando al espectador. La único que podría despistar sería la traducción proyectada del texto en vasco que además se reproduce como una voz en off, ya que divide la atención y descentra la danza.
Jesús Rubio / Ávila
LAS NOTAS DEL ASOMBRO
Texto_CHRISTIAN COMINO
La ascendente y meteórica carrera que, desde BOLERO ya podía vaticinarse, hizo del joven creador independiente Jesús Rubio un invitado incuestionable dentro del V Festival y Plataforma de Creación para la Danza de ESCENA PATRIMONIO que, en el caso que nos ocupa, se celebró a los pies de la majestuosa muralla de la ciudad de Ávila el pasado sábado 17 de septiembre. A la espera del arranque de su pieza 32 Estudios Elementales, de entre la brisa y el murmullo de sus visitantes, podía adivinarse la gran expectación por adentrarse en el universo coreográfico del creador al cobijo y delicado suspiro del Auditorio de San Francisco.
La literatura e intimidad que acostumbra Rubio, autor de obras como El hermoso misterio que nos une, se ha hecho latente, esta vez, mediante el asombro de su gesto respirando, con múltiples matices, las notas de un cuidado diálogo con Luz Prado y la maravillosa arquitectura de un lugar que, en su conjunto, se ha constituido como el símbolo de la profundidad y las dimensiones de la armonía de un patrimonio que se ha hecho escena y legado a través, y en sintonía, con el lenguaje de la música y la danza.
De esta manera, ambos creadores nos han hecho viajar, bajo la premisa de la respiración del violín, por el silencio del plié, las distintas formas de abandonar la simetría del eje vertical y los giros encadenados no solo como forma de hacer alusión a la sólida formación en danza clásica del bailarín, sino como reflexión de los límites del cuerpo en una danza que, conforme se hace se acaba y, en contraste, el deseo de que no lo haga para lo cual se hace necesario el violín como forma de aliento.
Una estructura clara, bañada de sorpresa, que se ha hecho materia con la gracilidad de Rubio y la versatilidad vocal de Prado en una dinámica muy pedagógica que el público ha agradecido, ya que no solo ha servido para que se entiendan los rudimentos que han cimentado la técnica de los intérpretes sino que, además, ha apoyado el vínculo en escena de los protagonistas aportando calidez humana.
Así es como cuerpo e instrumento se han dejado llevar por las notas del asombro, logrando coreografiar los puntos de unión entre música y danza, a través del sueño de un violín que ha insinuado y guiado la escena, su dramaturgia y el protagonismo del propio cuerpo, para remarcar la diferencia entre sus particularidades y, al final, darnos cuenta que son la misma cosa.
Arnau Pérez / Alcalá de Henares
RITUALES DE CUERPO, SONIDO Y MUCHO MENSAJE
Texto_SONIA LÓPEZ Foto_DIEGO PÉREZ
En el Corral de Comedias de Alcalá y dentro del Festival Escena Patrimonio se pudo ver Shortwave, nueva obra de la compañía de Arnau Pérez cuyo mensaje central se basa en la relación tecnología-ser humano, la tradición y la falta de escucha común en estos tiempos de visionados rápidos. Danza y música en directo capaz de agitar al público y sus conciencias.
“En un mundo lleno de sonidos, ¿el mensaje llega?” es la pregunta que se formula esta obra que critica la relación que tiene el ser humano actual con lo tecnológico (del pasado y presente). A la vez que se abren caminos de investigación, integrando danza contemporánea con sonido y música electrónica creados en directo por el movimiento del cuerpo y la expresión. Un avance en lo recorrido por esta agrupación con obras como LP (2020).
En esta ocasión, con dos compañeros más sobre el escenario encargados de la música y más cuestiones (Toromecánico y Casasnovas), el bailarín y coreógrafo catalán anclado en Madrid, se mimetizó con el sonido creado por su propio cuerpo y por otros elementos como una guitarra, creando un concierto único en el que el mensaje intentaba dar respuesta a las interrogantes cómo nos ha cambiado la tecnología, de qué manera somos parte de ella y la falta de entendimiento que a veces nos produce.
Vías que hacen participe al público con el que se interactúa durante la obra y después de ella. Se rompe la cuarta pared, se hace reflexionar al espectador y se innova en el mundo del lenguaje.
Todo hecho con gran maestría, incluido los aspectos técnicos, que hacen que la creación sea un gran acierto (en especial su relación con el espacio escénico, tan importante en este festival). El único pero quizá sea el vestuario que dificulta el movimiento. Este consistía en unos monos de carácter industrial que restaban fluidez al baile aunque su mensaje encajaba con la idea de tecnología y tradición, puesto que eran vintage.
Reflexión, danza y música en una misma pieza digna de visitar más de una vez como nos invita la compañía con un código QR donde se puede escuchar lo grabado en la acción o las frases finales de cada uno sobre el escenario.
Arnau Pérez / Alcalá de Henares
SINTONÍA VIOLETA
Texto_NURIA ALAÑA
Lejos queda la costumbre de fijar un movimiento al son de una melodía regular y predecible para la Cía. Arnau Pérez. Así sorprendía con el estreno de Shortwave el pasado 17 de septiembre, en el marco del Festival Escena Patrimonio: una propuesta innovadora de pequeño formato. El equipo violáceo, formado por dos músicos y el propio Arnau Pérez, convive e interacciona entre sí, desprendiendo dominio y seguridad con los efectos de sonido y de movimiento que pone sobre la mesa. Este último claramente influenciado por el sabor de las danzas urbanas, seña de identidad del creador e intérprete principal de la pieza.
En escena las reglas son sencillas y funcionan: jugar con el audio, el cuerpo y el espacio sin mayor pretensión. Y así es como, en el emblemático corral de comedias de Alcalá de Henares, logran captar la atención de un público que abre sus sentidos hacia la diversión y la experimentación. La naturalidad de las acciones que suceden en escena, junto con los matices cómicos y teatrales más la ruptura de la cuarta pared son los ingredientes de una receta ligera que hace sonreír a los asistentes. De esta manera, el espacio patrimonial madrileño se renueva y sintoniza frecuencias novedosas, en las que, como no podría ser de otro modo, la tecnología se consagra como la madre de nuestro siglo.
Estévez & Paños / Mérida
BODEGONES Y LIENZOS, ¡EN MOVIMIENTO!
Texto_JESÚS MONTERO
Mérida, 17 de septiembre. Estévez/Paños y compañía. V edición del Festival Escena Patrimonio. Gradas, repletas, frente al Templo romano de Diana. Y una pared de sillares de granito milenario, telón de fondo para las dos piezas de Díptico #1 [Campanillero / Silencios]. Un bodegón mutante de mínimos, concepto de Paños y Estévez, para La Confluencia (2021), de donde extraen Campanillero pero que vale también para Silencios.
Un bodegón de utillaje escaso pero multiplicador: hay micros y pequeños focos, cableado, una o dos sillas y algún truco innovador como que los intérpretes muevan los focos y transformen el espacio, las perspectivas, las formas y dimensiones: renovando el conjunto como lienzos nuevos. Efectos múltiples de una investigación coreográfica radical hacia un flamenco total, de tradición y vanguardia. Así, en Campanilleros, un hábil penitente de torso desnudo (Jesús Perona), controla una campanilla, el tacón y hasta sus épicas sombras sobre el granito milenario: los primeros lienzos. Una ensoñación de danza española, y de flamenco. En la segunda parte, premiada de aplausos, Silencios, que pinta, entre otros, a un Paños aprendiz, incansable, jaleado por el Maestro (Estévez). Ambos con un derroche de crecimiento hacia su “flamenco de hoy”, en conversación empoderada con la danza contemporánea. Dedicación e ingenio.
Escenas todas que logran lo que buscan sus creadores: o ¡quién puede esperar taconeos soberbios desde un trabajo de suelo! (Paños, por ejemplo). Sí, logran suspiros, y palmas ante lo inaudito, la fuerza, lo brillante y lo nuevo.
Alessandro Sciarroni / La Laguna
SOLO UN ÚLTIMO BAILE
Texto_ESTHER MORALES Foto_CLAUDIA BORGIA
La sala de cámara del Teatro Leal de San Cristóbal de La Laguna está habituada a vivir momentos extraordinarios. Desde ella se escucha el inconfundible viento lagunero y las campanas de la ciudad. Las mismas que el sábado acompañaron al final de la pieza Save the last dance for me, creada por el italiano Alessandro Sciarroni, artista internacional invitado del V Festival Escena Patrimonio.
Pero en este cuento no hay Cenicientas, sino dos bailarines, Gianmaria Borzillo y Giovanfrancesco Gianninin. Y lo que apuntaba a ser una muestra de la polka chinata, una danza ancestral boloñesa rescatada por el coreógrafo, se tradujo en 20 minutos de emociones a flor de piel, con muchas sonrisas secuaces entre el público.
Sciarroni parece utilizar la danza como una de las grandes expresiones de júbilo. Y sabe muy bien cómo combinar dos de sus mundos: el del baile tradicional y el de la escena electrónica presente en la música. Porque ¿qué es una rave si no un salón de baile de nuestro tiempo? Save the last dance for me es un regalo. Una pieza in crescendo, donde sus intérpretes muestran todo el virtuosismo del baile original para, finalmente, dejar que la complicidad y el placer que solo el movimiento provoca terminen por aflorar. Toda una crónica del último baile, aun cuando las campanas anuncian su final.
Daniel Abreu / Salamanca
UN MODERNO VIENTO HURACANADO
Texto_CAROLINA LÓPEZ
Las cuerdas se ha presentado en Escena Patrimonio como espectáculo de nueva creación en el marco de la temática del Legado, coincidiendo con los 50 años de Declaración de Ciudades Patrimonio. Los dos artistas, el músico portugués Jorge Da Rocha y el bailarín y coreógrafo de Tenerife Daniel Abreu, presentan una composición acertada en el contexto planteado. Porque rompen con todos los esquemas preconcebidos para las propuestas de danza que recibe la ciudad: arriesgados; no solo porque Jorge Da Rocha sale de su zona de confort hasta tener un desdoblamiento. Por un lado su alma (el instrumento) hace una total transición por el espacio escénico. Por el otro, es un moderno viento huracanado de tal magnitud que en algunos momentos desestabiliza el discurso coreográfico, tranquilo por naturaleza, de Daniel Abreu. Hay imágenes rebosantes de poesía y significado, como las del sombrero y pañuelo compartido por ambos intérpretes, así como la replantación literal de un árbol (que es regado de contemporaneidad). Capta el protagonismo, sin quererlo, el contrabajo, magistralmente conducido por el músico (no ha nacido una estrella, sino una constelación entera). Parte de la belleza de la propuesta también es el dejarse llevar de su danza. Hay un fuerte contraste, que tiene la posible lectura de la fuerza de la modernidad, abriendo camino entre la arraigada tradición del entorno. Jorge Da Rocha gracias por tu generosidad, que es el fruto de tu sensibilidad y tu permeabilidad a otros universos que están aún por llegar. Daniel Abreu, gracias también a ti por dejarte llevar…
Daniel Abreu / Salamanca
INSTRUMENTO QUE SE CONVIERTE EN INSTRUMENTISTA
Texto_NICOLÁS SANTOS
“¿Qué pasa entre la mecánica de las cosas y lo que hace que tengan otro sentido?” Desde esta pregunta el tinerfeño Daniel Abreu concibe su nuevo espectáculo, Las cuerdas, junto al músico portugués Jorge da Rocha, para su participación en la V edición de Escena Patrimonio, en la ciudad de Salamanca.
La cuestión se presenta en la propuesta de forma fractal. Un violonchelo espera a ambos en el Patio Chico de la Catedral de Salamanca. Abreu, con gran delicadeza, lo acaricia y lo convierte en pareja de baile. Mientras, da Rocha toca notas y las transforma en loop (perdiendo así el sentido inicial de las mismas), creando una atmósfera intrigante.
Tras alejarse con el violonchelo, el tinerfeño lo deja con suavidad en el suelo y se lanza a bailar con el legado que representa el espacio. El portugués se une también a la coreografía, abandonando el precepto del músico estático. Sorprende después con una melódica (instrumento de sonoridad engañosa por su forma), y brota uno de los momentos cumbre del espectáculo: mientras da Rocha se sume en la melódica, Abreu lo manipula. El instrumentista también se convierte en instrumento.
En los compases finales, la pieza acoge el enfrentamiento entre un árbol de frágil tronco y la sólida arquitectura. ¿Puede la debilidad convertirse en monumento? ¿Por qué no podría adquirir un nuevo sentido?
Daniel Abreu / Salamanca
ABREU Y DA ROCHA RESUENAN DISTINTOS
Texto_ANE MONZÓN
Con motivo de la celebración de la quinta edición del Festival Escena Patrimonio, el coreógrafo y bailarín Daniel Abreu presentó su espectáculo Las cuerdas con el acompañamiento musical ejemplar, en directo, de Jorge Da Rocha. Los tonos dorados de la piedra de Villamayor -emblema colorista de la ciudad Helmántica- enmarcaron la elegante sobriedad de esta propuesta conceptual. Desde la sencillez de los objetos estáticos (un contrabajo, el vestuario cándido, ausencia de decorado artificial), el público viajó hacia un despertar en el que todo lo que carecía de vida comenzaba a florecer, con el culmen de la imagen simbólica de un árbol. Vergüenza, tristeza, sensualidad, adrenalina, enfado… Estas son algunas de las emociones que nos llegaban de su cuerpo, sin trastocar el planteamiento liviano de Abreu.
No conocemos si fue la propia intencionalidad del autor o una consecuencia inevitable de una propuesta como esta, pero la música creada por Da Rocha se convirtió en el elemento central del espectáculo. La idea paradigmática de “aquello que se construye a sí mismo” quedó relegada al plano sonoro con los tañidos superpuestos de las cuerdas del contrabajo, la voz del músico o las percusiones del cuerpo. Así, los movimientos de Abreu comenzaron a ser los acompañantes de Da Rocha y no al contrario. El cuerpo no consiguió catalizar el mensaje del mismo modo que lo hizo el sonido, aunque sin duda, contribuyera a crear la atmósfera que el propio espectáculo -y esa música- necesitaba.
